【欧洲时报记者周轶伦编译报道】“国际合作”可以说是巴黎2017年秋冬大型艺术展览的关键词。先有毕加索博物馆于10月10日推出的与伦敦泰特现代艺术馆（Tate Modern de Londre）合办展览《毕加索1932，情欲之年》（Picasso 1932, année érotique），紧接着10月11日又有两个大型展览同时开幕，一个是由芝加哥艺术博物馆、奥赛博物馆和大宫美术馆“强强联手”举办的《炼金术师高更》展（Gauguin l'alchimiste），另一个则是财力雄厚的路易威登基金会艺术中心，其与纽约现代艺术博物馆（MOMA）合作推出的展览《现代：MOMA在巴黎》（Etre moderne : Le MoMA à Paris），带来大洋彼岸200余件艺术珍品，可谓赚足了眼球。大型博物馆之间的跨国合作，已成为全球化背景下博物馆盈利新模式。由于可以共同承担运输和保险费，以及刊印画册费用，办展成本被大幅度降低。当然，最大受益者还是参观者。这三个巴黎今秋最受瞩目的展览有哪些看点？哪些名作最不容错过？本期专题就为读者逐一介绍。
《毕加索1932，情欲之年》
Picasso 1932, année érotique
1932年，是毕加索艺术创作的转折点，评论家将毕加索1932年至1945年的创作称为“蜕变时期”。作为这一时期创作的“首席女主角”玛丽-泰雷兹（Marie-Thérèse），成为艺术爱好者津津乐道的人物，并将其视为直接推动毕加索创作蜕变的女人。
两人的邂逅要从1927年的一天说起。1927年，46岁的毕加索在老佛爷商场前，或许正在回家的路上，或许正要去商场给妻子奥尔加（Olga）买礼物。此时，年仅17岁的玛丽-泰雷兹（Marie-Thérèse）也正巧在那儿。命运使俩人擦肩而过。毕加索叫住玛丽-泰雷兹，“小姐，您的脸蛋很吸引人，我想为您画一幅肖像画。”接着，毕加索又继续说道，“我想我们有许多共同点。”仿佛是“自证预言”，不久之后，玛丽-泰雷兹就成为了毕加索的情人。
应该说，玛丽-特雷兹的身体同脸蛋一样引人注意，她拥有宽肩膀、流线型大腿，这正是毕加索最为熟悉的迷人体型。这位情人的身体是如何影响毕加索的艺术创作？这便是毕加索博物馆展览《毕加索1932，情欲之年》想要探讨的主题。因此，这一展览有趣地将艺术家生活和艺术表达合为一体。大量资料、剪报与毕加索的油画、绘画、雕刻相呼应，展现了毕加索于1932年的生活与艺术图景。
必赏名作1：《躺着的裸体》（Nu couché）（1932年4月）
《躺着的裸体》。
30年代初，为了进行大型雕塑创作，毕加索常前往位于诺曼底的Boisgeloup城堡工作。春季时分的诺曼底阴暗、潮湿，但从这幅作品中，却看到了令人向往的阳光、热浪、夏日和欲望。灰色、绿色、紫色的协调配合，画中模特蜿蜒流畅的姿势曲线，充满着情欲味道。从1927年开始，尤其是成为毕加索创作标志性一年的1932，毕加索开始大量使用圆形、椭圆和曲线来勾勒模特的脸袋、胸部、手臂和胯部，画家笔下的模特开始变形，有些部位被放大，有些被缩小，甚至被省略。
必赏名作2、3：《坐在红椅上的妇女》（Femme au fauteuil rouge）（1932）与《梦》（Le Rêve）（1932）
《坐在红椅上的妇女》
《坐在红椅上的妇女》见证了毕加索内心对立体主义的执着，以及他所追求的对形体的拆解与重塑。这幅作品可能是同样完成于1932年的《梦》的重构。《梦》的主角，玛丽-特雷兹坐在红椅子上，头部向右倾斜，使整个构图成流水般曲线。图中露骨的性象征传递出肉体所给人带来的炽烈欲望。而《坐在红椅上的妇女》的构图却呈垂直线条，双手脱离身体，形成三角支撑，成为整幅画的平衡点。如果说《梦》的主角柔情似水，《坐在红椅上的妇女》则显得难以亲近。两幅作品强烈的反差与对比，可捕捉出毕加索在进行创作蜕变时的不同尝试。
《梦》
实用信息
展览地点：毕加索博物馆Musée National Picasso, 5 Rue de Thorigny, 75003 Paris
展览时间：2017年10月10日 - 2018年2月11日
票价：12.5欧元（优惠价：11欧元）
《炼金术师高更》
Paul Gauguin l'alchimiste
高更在艺术领域的大胆与突破，参观者可以从《炼金术师高更》（Paul Gauguin l'alchimiste）展出的280件作品中一睹为快，在如此多的油画、木雕、雕塑、陶瓷等作品中，有这么三幅油画决不可错过，因为它们在高更的艺术探索生涯中起着标志性作用，也成为高更对未知土地迷恋的见证。
流浪艺术家
高更1848年生于巴黎，童年曾在秘鲁利马生活过多年。也许就是从那儿萌生了高更对自然风土的向往。在投身绘画之前，他曾在海轮上工作，接着又当上股票经纪人。仿佛是受到上天的召唤，高更于34岁开始绘画，并于1879年至1886年间参加了最后五届印象派画展。随后，他前往阿旺桥镇（Pont-Aven），并于1888年开始在那儿定居。布列塔尼的乡村气息使高更逃离了充满工业味的城市生活，放手去寻找纯粹与真实。他曾写道，“我喜欢布列塔尼：在那里，我发现了野蛮、原始。当我的木鞋在花岗岩土地上发出回响，我听到了一种低沉、混浊却充满力量的声音，这就是我想在油画中所寻找的。”
在朋友埃米尔.伯纳德（Emile Bernard）的影响下，高更的绘画风格开始改变。他抛弃了简单地模仿自然的绘画手法，希望自己不仅是自然的旁观者，更可以借助原始、简单的形状来表达内在精神。此外，高更还开始尝试分隔主义（cloisonnisme），采用轮廓明显、扁平的构图方式，以黑色线条描边，这有点类似彩绘玻璃的形式。
必赏名作1：《跳轮舞的布列塔尼小女孩》（La ronde des petites bretonnes）（1888）
《跳轮舞的布列塔尼小女孩》
大宫美术馆展览专员Ophélie Ferlier-Bouat认为布列塔尼对高更起着至关重要的作用，“这是高更第一个未知世界。他意识到自己需要逃离巴黎，前往更偏僻的地方。”
在这幅高更的作品上画着三个正在跳加沃特舞曲的女孩，这是一种法国民间舞曲。她们手拉手，形成蜿蜒的曲线，为画作带来神秘的音乐律动感。虽然整幅画的基调仍属于印象派画风，但高更已开始采用更为概括的描绘方式。画家故意省去了女孩的细节描绘，使她们失去个人特征，她们穿着相同的衣服和木鞋，在上衣上佩戴相同的红花。画作的背景，高更大胆地将阿旺桥镇的天空涂成粉色。高更认为画家可以对眼前的景物进行重新诠释，尤其是颜色。艺术家的内在表达应投射在现实中，以创造一个全新的世界。
必赏名作2：《在黄色基督前的自画像》（Portrait de l'artiste au Christ Jaune）（1890-1891）
《在黄色基督前的自画像》
《在黄色基督前的自画像》成为了高更艺术创作的转折点，在当时受到艺术评论家的猛烈抨击。这幅画作其实隐含着三个自画像。高更出现在画面3/4处，处于中间位置，表情冷漠。其身后背景被分成两部分，左边色调明亮，是高更于阿旺桥镇完成的名作《黄色基督像》的重新演绎；右边色调灰暗，高更画了一个可笑的面具，被称作“野蛮的高更脑袋”。有意思的是，在大宫美术馆展览中，我们可以在不远处的橱窗内，看到面具原物。奥赛博物馆展览合作专员介绍说，“通过这幅油画，高更想要表达的是，我，高更，既是一个不断在寻求原始的野蛮人，同时，也是一个殉道者。”处于天使与魔鬼之间，画家的眼神很坚定，仿佛想要告诉世人，他对艺术的探索还在继续。
必赏名作3：《薇玛蒂》（Vairumati）（1897）
《薇玛蒂》
1891年，高更卖掉了他所有作品，只身前往法属波利尼西亚群岛。他希望远离西方社会，从此扎根于塔希提岛。在结束生命前，高更只回了一次欧洲。在塔希提岛，高更开始尝试多种艺术创作方式，包括雕塑和雕刻。他喜欢原始、粗糙的材质和最为纯粹的颜色。这片热带土地，为高更的创作带来了神秘的力量。那些颇带着原始味道的土著女人成为高更艺术代表，尤其是《薇玛蒂》。
画作题材取自塔希提岛神话传说。一名土著女子坐在雕刻过的扶椅上，好像是一把王座。右后方，两名女子的姿势让人联想起爪哇岛浮雕人物。在左侧，一只白鸟正在杀死壁虎。我们可以将中间的女子视为生命的象征，壁虎代表着死亡。在高更晚年，他经常在绘画中加入塔希提传统物品或象征，并将其变形、升华。这种原始的神秘，使其画作更具厚度感和凝重感。
实用信息
展览地点：大宫美术馆，Grand Palais, Galeries nationales, 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
展览时间：2017年10月11日 - 2018年1月22日
票价：14欧元（优惠价：10欧元）
（编辑：黄浩）